MIGUEL BACA ROSSI

RETROSPECTIVA 1917 - 2016

La materia cobra vida

Arte e historia modeladas

Miguel Baca Rossi - Football. 1973 - Modelado en fibra de vidrio, 45 cm. x 26.5 cm. x 26.2

Miguel Baca Rossi - Cesar Vallejo. Me moriré en París. 1998.
Bronce, 49 cm. x 15 cm. x15 cm.

MIGUEL BACA ROSSI

(1917-2016)

“Fue un reconocido escultor peruano que estudio en la Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA) entre 1939 y 1943 durante la dirección del indigenista José Sabogal. En sus años de estudio, cuando desde la institución se intentaba representar al Perú, tuvo como maestro al escultor Raúl Pro quien supo inculcar en sus alumnos la vertiente clasista. Otra influencia importante en este período es la del escultor español Victorio Macho, de tendencia moderna y autor del Monumento a Miguel Grau (1946).

En su primera época, producto de sus estudios de medicina en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos –que los cursa en forma paralela con los de la ENBA- modela cuerpos anatómicos completos y órganos en celulosa que sirvieron como material de aprendizaje en las escuelas y universidades nacionales y extranjeras.

Un especial homenaje merece el pedagogo alemán Karl Weiss quien supo alentar su vocación artística en sus años de adolescente en el Colegio Nacional San José de Chiclayo. Si buscamos definir su obra podemos decir que es figurativo, expresionista y monumental. También se evidencia algunas tipologías como la glorificación del héroe, el desnudo, las distintas edades del hombre desde su juventud hasta su vejez, el tema religioso, el costumbrismo alternativo y la representación de animales. Buscamos en esta retrospectiva exhibir las características de un artista integral que hizo de su vida su propio proyecto artístico…" (1)

Miguel Baca Rossi - Madre. (s/f) - Modelado en yeso, 15 cm. x 18 cm. x11 cm.

Miguel Baca Rossi - Gallo navajero. ca. 1973. - modelado en yeso y plástico, 27.5 cm. x 24 cm. x 11.5 cm.

Miguel baca Rossi - El Campesino. 1976 - Modelado en yeso,
250 cm. x 107 cm. x 60 cm.

COSTUMBRISMO ALTERNATIVO

“Se puede decir que el costumbrismo en la escultura precede en su desarrollo a la adopción de esta temática por la pintura. Basta mencionar las figuras de motivos rococó de finales del virreinato o las esculturas de campesinos presentadas por el ayacuchano Luis Medina en la Exposición Nacional de 1872. Un antecedente directo sería el alemán Edmundo Moeller quien presentó en 1928 escenas costumbristas trujillanas.

Miguel Baca Rossi muestra un costumbrismo alternativo donde sus vivencias de la infancia y juventud en Chiclayo son perennizadas en la escultura y con ello, se diferencia del costumbrismo sabogalino, enmarcado preferentemente en la temática del sur andino. Ejemplos son Chichera (1976) y El Piajeno (1972), simplificación de pie ajeno, en el que una joven es llevada por un burro, sobresaliendo la representación de un mate propio de la zona norte del país. En Pa´Navidad (1970) se representa la historia de una pareja de campesinos, ella esta embarazada y él se acerca para preguntarle para cuándo nacerá su hijo, a lo que ella responde: “Pa´Navidad”..." (2)

Miguel Baca Rossi - Representaciones de toreros. ca. década de 1970 - Modelado en yeso y tela, medidas varias.

Miguel Baca Rossi - Muchacho. s/f - Modelado en yeso, 40 cm. x 20 cm. x 13.2 cm.

Miguel Baca Rossi - Bolívar enfermo en Santa Marta. s/f - Modelado en yeso, 30 cm. x 22 cm. x 16 cm.

 

MOVIMIENTO

“La creación de una sensación o ilusión de movimiento en la representación escultórica en general, puede decirse que ha sido siempre una necesidad para los artistas en varios períodos de la historia. Así tenemos a la Victoria de Samotracia (190 a.c) del período helenístico griego, las esculturas de Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) del Barroco, el futurismo italiano desde la vanguardia o la rueda de bicicleta de Marcel Duchamp.

Baca Rossi mencionaba que había “esculturas que eran simples motivos para realizar un movimiento o una composición. Todo es y puede ser motivo de inspiración”. Con ello, destacada una característica importante en su obra, la capacidad de representar el movimiento en sus figuras en constante comunicación a través de sus cuerpos. Representaciones como Encierro (1975), los pases de los toreros en las escenas de tauromaquia y la de los adolescentes haciendo juegos o deportes como Basket (1985), Lingo (1970) o Football (1973). Cada una de estas piezas son evidencias del interés del escultor por el movimiento…” (3)

Miguel Baca Rossi - Asilo. s/f - Modelado en yeso, 65.5 cm. x 14 cm. x 14.5 cm.

Miguel Baca Rossi - El encierro. 1974 - Modelado en fibra de vidrio, 23 cm. x 48 cm. x 43 cm.

Miguel Baca Rossi - Basket. 1985 - Modelado en yeso, 59 cm. x 28 cm. x 20 cm.

DESNUDO

“Uno de los géneros artísticos presentes en su obra es el desnudo. Este fue creado por los griegos en el siglo IV a.C. y, de acuerdo con el historiador del arte Kenneth Clark, es el género que define al arte occidental. Desde sus primeros años en la ENBA, Baca Rossi realizó desnudos femeninos y masculinos.

A través de la representación del cuerpo también se puede manifestar una crítica al estado de postergación de la humanidad. Así lo hace en Biafra (1969) donde se pregunta: cómo una mujer puede mirar al cielo en aptitud de reclamo porque no puede amamantar a su hijo cuando en ese mismo año, el hombre llega por primera vez a la luna.

Un ejemplo de las pocas incursiones del artista en la representación de la retórica incaista, popularizada a principios del siglo XX por José Huertas y Benjamín Mendizábal, es un desnudo femenino de rostro indígena Cusi Coyllur (ca. 1977)…” (4)

Miguel Baca Rossi - Mi hijo José Antonio. ca. 1970 - Modelado en yeso, 27 cm. x 20 cm. x 25 cm.

Miguel Baca Rossi - Cholita monsefuana. 1978 - Modelado en yeso, 51.6 cm. x 19.3 cm. x 16 cm.

Miguel Baca Rossi - Representaciones de toreros. ca. década de 1970 - Modelado en yeso y tela, medidas varias.

DEL HÉROE A LAS VÍCTIMAS

"Las obras del escultor peruano nos muestran figuras universales como Simón Bolívar o César Vallejo; intelectuales que marcaron la historia peruana como Víctor Raúl Haya de la Torre o José Carlos Mariátegui; niños vueltos hombres a fuerza de defender la ciudad de Lima de la ocupación extranjera en el Monumento a los heroicos Cabitos de la Guerra del Pacífico (1983); así como también, héroes ficcionales como Don Quijote y su fiel escudero Sancho Panza.

En la escultura monumental se pasó de la glorificación del héroe en el siglo XIX a perennizar a las víctimas, esto ocurrió de la primera guerra mundial en el siglo XX. Esta concepción también está presente en la obra de Baca Rossi con el proyecto Uchuraccay (1983). Ningún escultor nacional como Baca Rossi supo representar lo que significa el Perú y su diversidad. Nos mostró los paradigmas a seguir en una época como la que vivimos hoy en día de crisis de calores, él se convierte en referente indispensable al mostrarnos a las figuras egregias de nuestra sociedad, a personajes que supieron ganarse un alto honor en la historia peruana..." (5)

Miguel Baca Rossi - Cabito. 1982 - Modelado en yeso, 57 cm. x 47 cm. x 38 cm.
Detalle de monumento en Lima.

Miguel Baca Rossi - Pase de pecho. 1978 - Yeso, fierro, madera y tela, 29 cm. x 33 cm. x 32 cm.

Miguel Baca Rossi - Pa´ navidad. 1970 - Modelado en yeso, 43 cm. x 14 cm. x 16 cm.

Miguel Baca Rossi - Primer amor. 1975 - Modelado en yeso, 45 cm. x 12 cm. x 16 cm.

Miguel Baca Rossi - El consejo. 1982 - Modelado en yeso, 76 cm. x 56 cm. x 33 cm.
Proyecto del monumento ubicado en Puno.

Miguel Baca Rossi - Biafra. 1969 - Bronce, 67.2 cm. x 22.5 cm. x 25.5 cm.

Miguel Baca Rossi - La Tomasa. 1989 - Modelado en yeso, 41 cm. x 32 cm. x 23.4 cm

Miguel Baca Rossi - Pudor. 1985 - Modelado en yeso, 44.5 cm. x 9 cm. x 9.2 cm

Miguel Baca Rossi - Una manoletina. (s/f) - Modelado en yeso y tela, 37 cm. x 34 cm. x 14 cm.

Miguel Baca Rossi - La dulce espera. s/f - Modelado en yeso, 40 cm. x 16 cm. x 16 cm

Miguel Baca Rossi - Medallón de Jorge Basadre. 2002 - Modelado en fibra de vidrio, 120 cm. x 120 cm. x 12 cm.

Palabras de agradecimiento al personal del "Espacio Juan Pardo Heeren", por el apoyo prestado para la realización de este reportaje fotográfico. 

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Fotografías: son propiedad de Gino L. Ataucusi Arenas.

Citas:

1 al 5). Afiches exposición.

Enlaces de interés:

MIGUEL BACA ROSSI_FOPART

http://www.bacarossi.com/

http://es.scribd.com/doc/86968622/Portafolio-artista-Miguel-Baca-Rossi

HERENCIAS Y TRADICIONES

COLECCIÓN DE ARTE POPULAR

Museo de Arte de San Marcos

(3/3)

"Toro de Pucará". Puno, siglo XX. Cerámica modelada y pintada, 32.2 x 38.6 x 18 cm.

"Cruz de pasión". Ayacucho, siglo XX. Madera y pasta policromada, 58 x 39 x 15 cm.

MUSEO DE ARTE DE SAN MARCOS

"La Universidad Nacional Mayor de San Marcos no contaba hasta 1970 con un Museo de Arte. Gracias a las gestiones del Dr. Francisco Stastny se crea el Museo de Arte e Historia(en 1996 cambia su denominación actual de Museo de Arte de San Marcos), con el objetivo de albergar y difundir el patrimonio histórico-artístico que pertenecía a la Universidad. A esta iniciativa, se suma la generosa donación de obras que realiza la artista Alicia Bustamante que junto a su hermana celia, reunieron una importante colección de piezas del arte tradicional peruano. Después , en 1974, el historiador Pablo Macera sigue este ejemplo con la donación de parte de su colección al Museo.

La colección comprende obras de diversas zonas: Cuzco, Puno, Ayacucho, Junín, Huancavelica, Lambayeque, Amazonas, por nombrar algunas. Desde el aspecto de los materiales, aproximadamente el 50% está conformada por cerámica utilitaria y escultórica; en cantidades menores están los de madera y en combinación con otros materiales como la pasta o la tela encolada, le sigue los mates, y en menor porcentaje otras piezas de técnicas variadas como la piedra de Huamanga, la piedra berenguela, la hojalata, los textiles, el cuero o la fibra vegetal.

En la presente exposición, el Museo de Arte de San Marcos presenta parte de este abanico de expresiones como ejemplo de la pluralidad de las costumbres tradicionales que, en las primera décadas del siglo XX, saldrían del olvido y casi desaparición gracias a la acción de artistas e intelectuales indigenistas como José Sabogal, José María Arguedas, José Carlos Mariátegui y Alicia Bustamante, por mencionar solo algunos. Es gracias a este interés y un novedoso espíritu coleccionista que la UNMSM se convierte en la heredera del arte tradicional que se produjo durante la centuria pasada." (1)

Eulogio Medina Zanabria: "Azycarero". Cochas-Huancayo, 1970-80. Mate burilado y pirograbado, 14 x 23 Ø

Máscara "Huacón". Junín, siglo XX. Madera tallada, 21 x 15 x 12 cm.

Silvia Beatriz Suárez Moncada: "Joaquín López Antay". 1975.

JOAQUÍN LÓPEZ ANTAY

(Ayacucho, Perú, 23 de agosto de 19897 - Ayacucho, Perú, 28 de mayo de 1981)

"Nació en la ciudad de Ayacucho el 23 de agosto de 1897, en el seno de una familia de artesanos. Su padre fue Mariano López y su madre Eduarda Antay, y sus abuelos maternos Manuela Momediano y Esteban Antay, artistas imagineros, que tuvieron un taller en el cual confeccionaban los típicos cajones San Marcos, baúles, cruces y pastawawas. Fue ahí donde el joven Joaquín se formó como imaginero. Como sostiene el historiador Pablo Macera, su obra se caracterizó por su capacidad de síntesis compositiva y de color, y por incorporar temas costumbristas en el cajón San Marcos. El maestro Joaquín López Antay fue estudiado y promocionado inicialmente por artistas e intelectuales indigenistas, como Alicia Bustamante y José María Arguedas, quien a pesar de su postura conservadora, empezó a destacar su obra en sus transformaciones creativas, plenas de esencia etnográfica.      

El gobierno de Juan Velasco Alvarado -que a inicios de la década de 1970 había potenciado la cultura, en particular la popular-, fundó el Instituto Nacional de Cultura, que más tarde gestó el Premio Nacional de Fomento a la Cultura, el cual le fue otorgado a don Joaquín López Antay en el área de arte. Este reconocimiento, entregado en ceremonia pública el 7 enero de 1976, generó la protesta de un grupo de artistas ortodoxos que no concebían que la obra de un artista popular tradicional quechua-hablante tuviera más valor que el Arte con mayúsculas, generando un debate entre arte popular y arte culto. Desde entonces, la figura de don Joaquín López Antay se ha convertido en un símbolo emblemático del arte tradicional peruano, pues no solo ganó fama y reconocimiento oficial, sino que su trascendencia como artista popular regional alcanzó otra dimensión, convirtiéndose en un paradigma para el resto de sus colegas. Tras alcanzar la realización artística, don Joaquín López Antay permaneció en su tierra natal hasta la hora de su partida, el 28 de mayo de 1981." (*)

"Conopa carnero". Quinua, Ayacucho, siglo XX. Cerámica modelada y engobada, 17.8 x 9 x 18 cm.

Leoncio Tineo: "Iglesia de Quinua". Ayacucho, sigllo XX, Cerámica modelada y engobada, 27 x 26 x 9 cm.

PIEDRA DE HUAMANGA

"La piedra de Huamanga fue usada desde finales del siglo XVII y, probablemente, los primeros en realizar tallas en este material fueron artífices europeos. De forma similar a otras expresiones artísticas, fue la iconografía religiosa durante el virreinato, la que inspiró a los maestros artesanos en la producción de imágenes en relieve o bulto de temmas de la religión católica, realizados bajo los preceptos moralistas y catequizadores de este periodo. Así mismo, se elaboraron diversidad de figuras que vinieron a reemplazar a la ornamentación en porcelana; entre ellas escenas galantes, imágenes alegóricas de los continentes, bodegones y escenas de la vida cotidiana enriquecieron el programa de imágenes camino a tiempos independentistas.

El paso del virreinato a la república enriqueció los temas alegóricos, toma fuerza la figura del león representando el poder imperialista. Una serie de imágenes fueron creadas en clara disputa de ideales, aquel que defendía el poder de la metrópoli española y aquel que impulsaba los ideales libertarios. Pasada la independencia, la imagen  de la vicuña sobre el león tendría gran acogida como representación del pueblo peruano venciendo al poder español. Así mismo, alegorías de la patria (mujer abrazando a la vicuña) fueron realizadas con el propósito de alimentar el espíritu de la joven república." (2)

Hilario y georgina Mendivil: "Huida a Egipto". Cusco 1963.
Maguey, pasta, tela encolada y policromada.

Silvia Beatriz Suárez Moncada: "Delia Poma Osores". 1975.

DELIA MARÍA POMA OSORES

(Junín, Perú. 15 de agosto de 1956)

"Artesana perteneciente a la Comunidad Campesina de Cochas Grande en Huancayo - Junín. Sus padres se dedicaron al tejido de tela de callhua elaborando mantas matizadas y también mates burilados. Delia, por motivos económicos se inició en la artesanía con el bordado a mano de polleras y talqueado cuando tenía sólo once años. En 1968 empezó a ayudar a su hermana Herayda en el burilado de mates, arte al que se dedicó por completo a partir de 1970. Cuantro años después ganó el Concurso Regional de Mates Burilados, lo que le permitió representar a su región a nivel nacional en INKARRI 1974. A partir de ahí y gracias a su esfuerzo y dedicación ha obtenido diversos premios nacionales e internacionales, y reconocimientos como maestra artesana. 

En 1976 se casó con Ciro Núñez Hospino con quien tuvo tres hijos Elvis, Etson y Delia Consuelo. La pareja unió esfuerzos y empezó a trabajar en equipo: Delia se dedicó a preparar piezas tradicionales, únicas y de colección, mientras Ciro elaboraba piezas comerciales, las cuales servían para mantener a la familia. Actualmente participan en concursos, ferias y otros eventos que les permita comercializar sus obras directamente tanto al interior como al exterior del país. Delia tiene como objetivo dar a conocer al mundo las costumbres y tradiciones de su región a través de cada una de estas piezas; así como, preservar este arte tradicional. Por eso se dedica a enseñar a su familia y a la comunidad en general lo que ha aprendido en sus más de 40 años de actividad. También cuenta con una tienda en la que ofrece sus productos llamada la Casa del Artesano ubicada en el centro de Huancayo." (*)

"Mocagua". Amazonia, etnia Shipiba, siglo XX. Cerámica modelada pintada y vidriada, 11.8 x 17.2 cm.

"Cruz de pasión". Ayacucho, siglo XX. Madera y pasta policromada, 35.5 x 18 x 10 cm.

CALABAZA - MATE BURILADO

"Calabaza o lagenaria vulgaris, es el vegetal que después de un proceso de limpieza y secado se utilizará en la fabricación de los mates decorados, que pueden ser burilados y/o pirograbados (Junín, Ayacucho, y Huancavelica); y también pintados al acido (Lambayeque). Conforma una de las expresiones populares de más antigüedad, pues, precede a la utilización de la cerámica como objeto utilitario. Se advierte su presencia en culturas prehispánicas como Paracas, Nasca, Chimú, Chancay e Inca, con diversa decoración; diseños incisos, incrustaciones de piedras o conchas y policromías. En época virreinal, la aplicación de plata en los mates se convertiría en una practica que duraría hasta mediados del siglo XIX.

Los cambios sociales y económicos por el nacimiento de la república, ofrecieron a los artífices nuevos temas que plasmar en los mates; a la flora, fauna, paisajes, festividades y escenas de la vida común se sumaron temas históricos o hechos heroicos que enriquecían el corpus iconográfico. Así mismo, la decoración, la decoración se circunscribió al trabajo en el mismo material sin adhesión de otros elementos. Por otro lado, las piezas de cuero que integran la colección del Museo de Arte de San Marcos son, en su mayoría, vasos con decoración incisa. Conocidos también por el vocablo quechua Wampar, estos cuernos se realizaron con una técnica y motivos de decoración similar al de los mates burilados." (3)

"Illa - chacra". Puno 1940. Piedra berenguela tallada, 3.5 x 21.5 x 20.5 cm.

Hilario y Georgina Mendivil: "Reyes magos" (1/3), siglo XX
Pasta, madera y tela encolada policromada

Silvia Beatriz Suárez Moncada: "Jesús Urbano Rojas". 1975.

JESÚS URBANO ROJAS

(Ayacucho, Perú. 1947 - 2014)

"Desde niño ayudó a su padre en la siembra y cosecha de los productos de la región. En sus horas de descanso se dedicaban a hacer tejas y ollas de barro. Viajó a Huamanga, donde Don Joaquín López Antay lo adiestró con suma rigurosidad en el arte de la imaginería y le enseño a hacer retablos. Urbano abrió su propio taller. Paralelamente tuvo que dedicarse también al arriaje y aprovechó las rutas largas para comercializar sus retablos. Al poco tiempo, empezó a realizar exposiciones en el Perú y el extranjero. Fundó una escuela de artesanía con la finalidad de enseñar a niños, jóvenes y adultos a obtener recursos económicos a través de siete especialidades del arte popular: Retablo, cerámica, tallado en piedra de Huamanga, telar ayacuchano, burilado en mate, talabartería y cerería.

Actualmente el retablo es parte del sustento de muchas familias y el maestro Jesús Urbano es el más destacado de los retablistas vivos y uno de los más importantes exponentes del arte tradicional peruano y además, contribuye permanentemente a la difusión masiva del arte tradicional. Sus obras, piezas únicas hechas a mano con productos naturales sin utilizar maquinarias ni moldes, se exhiben en museos y galerías nacionales e internacionales. Jesús Urbano es el artista popular más premiado. Por su aporte a la comunidad ha obtenido la máxima condecoración que el Gobierno del Perú otorga a los ciudadanos que han destacado: La Orden del Sol en el grado de Caballero; además, ha sido nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad Nacional Mayor De San Marcos y Máster en Pomona Estados Unidos. Ha sido reconocido como Maestro de la Artesanía Peruana en 1993 y con el Premio Joaquín López Antay en el año 2008." (*)

Hilario Mendivil: "San Miguel Aecángel". Cusco siglo XX. Pasta, madera, tela encolada y
hojalata policromada, 57 x 27.5 x 40 cm.

"Sol", Chúa (Plato). Cusco siglo XX. Cerámica torneada, pintada y vidriada, 6.8 x 16.5 Ø

CERÁMICA

"El conocimiento sobre la arcilla y sus posibilidades plásticas, han sido un común denominador en la historia de la humanidad y su descubrimiento evidencia el desarrollo y complejidad que alcanzaron las sociedades antiguas. La tradición de la cerámica en el Perú da cuenta de las técnicas de manufactura conocidas desde épocas precolombinas, pero también de herramientas y técnicas (torno) que llegaron con los españoles. De cualquier forma, la cerámica se manifiesta en sus usos tanto utilitarios como escultóricos; desde una necesidad lúdica están presentes los silbatos, figuras de animales, músicos y una diversidad de estatuillas que resaltan la vida cotidiana.

Desde la necesidad de creencia religiosa y/o ritual se tienen piezas como las iglesias , las conopas en forma de animales y las pacchas. Desde el uso doméstico, diversos utensilios como ollas, jarras o platos se realizan hasta nuestros días en todas las regiones del Perú, con las variantes regionales en modelos y técnicas. En ese sentido, algunos artistas que han destacado por su originalidad son Leoncio Tineo (Ayacucho), Edilberto Merida(Cusco), e Isaac Baldeón (Ayacucho) entre otros.

Un motivo interesante que no podemos dejar de mencionar es la del toro, cuya presencia es el imaginario popular es más que significativo. El vacuno formó parte de las nuevas especies que reemplazaron el pastoreo de ganado auquénido como la llama o la alpaca, transformando de manera sustancias la economía. Además, su apariencia, fuerza y nobleza, dieron pie a la transformación de formas sagradas como el amaru. Desde ahí, se puede tener idea sobre el progresivo cambio de la imagen o del felino hacia la del toro en nuestras expresiones plásticas tradicionales." (4)

"Virgen del Carmen". Ayacucho siglo XX. Piedra de Huamanga tallada y
policromada, 18 x 9.5 x 4.5 cm.

Delia Poma Osores: "Plato". Junín, 1975. Mate burilado y pirograbado, 5 x 25 Ø

Óscar Fernández: "Hilario Mendivil Velasco". 1988. Archivo del Museo de Arte de San Marcos.

HILARIO MENDIVIL VELASCO

(Cusco, Perú. 1929 - 1977)

"Hilario Mendivil nació en el Cusco en 1927 y desarrolló un estilo de imaginería original, inspirándose en el entorno, tomando como modelos a personajes religiosos, en particular de la tradición católica campesina como son las Vírgenes, la Sagrada Familia, los Reyes Magos, Santiago Apóstol y San Isidro Labrador, entre otros. Utilizó como materia prima yeso artesanal, mezclado con harina de trigo y cola natural hecha de patas de vacunos. Tanto él como su hija, han insistido siempre en que para ese trabajo no se debe usar cola sintética, sino natural. Desde el comienzo de su carrera, Mendívil dio a sus personajes unos cuellos largos muy particulares, que recuerdan aquellos de los camélidos andinos y que la tradición ha llamado “kunkay” o Llama Kunka, del quechua kunka, cuello.

Si bien inicialmente incomprendido, Mendívil insistió en su arte y tuvo la fortuna de contar con el reconocimiento y apoyo de personas de gran valía, como José María Arguedas, quien lo conoció a él y su arte durante una de sus visitas al Cusco dando inicio a lo que sería una larga amistad. La señora Alicia Bustamante, quien en un viaje al Cusco por motivos familiares, encontró unas piezas de Mendívil en una tienda y que de inmediato movieron su refinada sensibilidad. Ante la negativa la dueña de la tienda, quien no pudo o no quiso decirle quién era el artista o donde encontrarlo, la señora Bustamante lo buscó hasta que lo pudo contactar en San Blas y que luego de hacerle unos encargos para confirmar que era efectivamente al autor de las piezas que la habían impresionado inicialmente, le ofreció a Hilario y a su esposa Georgina su casa en Lima.

Las hermanas Alicia y Celia Bustamante tenían una peña llamada “Pancho Fierro” en la plazuela de San Agustín, en la que se reunían los artistas e intelectuales de la época y donde muchas veces se exhibían las obras de estos y otros artistas. Desde la peña y con el concurso de los asiduos a las tertulias, la obra de Mendívil fue haciéndose conocida en Lima y otros lugares. Otra persona que jugó un importante papel en el conocimiento de la obra de Mendívil fue la señora Doris Gibson. La señora Gibson se enamoró de la obra de Hilario y fue adquiriendo piezas hasta formar una importante colección de personajes, así como de conjuntos procesionales a lo largo de los años. Esta colección fue posteriormente donada al Instituto Riva Agüero y hoy conforma la parte central del Museo de Artes y Tradiciones Populares. Ha sido merecedor de premios importantes en honor a su destacada trayectoria, entre ellos el de Gran Maestro del Arte Popular. Trabajó junto a su esposa Georgina Dueñas en la realización de sus motivos religiosos y sus hijos son ahora los continuadores de esta tradición."

"Pacha". Cusco siglo XX. Cerámica pintada y vidriada, 6 x 30.2 Ø

CERÁMICA VIDRIADA

"La cerámica vidriada en utensilios como las chuas (platos) señalan el vestigio de técnicas europeas, como el uso del torno y el horno cerrado en la manufactura, el engobe y vidriado en la decoración de diversos objetos utilitarios y rituales que buscan reemplazar la importación de loza europea y asiática. La producción de la cerámica enlozada fue común en el periodo del virreinato y se produjo desde la zona sur andina hasta el norte del Perú." (5)

Hilario y georgina Mendivil: "Huida a Egipto". Cusco 1963.
Maguey, pasta, tela encolada y policromada.

"Joven echado". Ayacucho siglo XIX. Piedra de Huamanga tallada y policromada, 13.4 x 17.5 x 7.8 cm. cm.

MÁSCARAS

"Las máscaras que conserva el Museo de Arte de San Marcos pertenecen al danzas tradicionales andinas, las cuales son parte importante de festividades como las fiestas patronales o carnavales. En ese medio festivo, las máscaras forman parte importante de la vestimenta y adoptan características de diversos y variados personajes. Arturo Jiménez Borja hace referencia al impacto que causó en los indigenas la llegada de gente negra con la conquista española, esto dio como resultado la inclusión del "Negro" en diversas danzas cuyos interpretes llevan máscaras de negros.

Desde luego, el tipo europeo también fue tomado para máscaras al igual que otros personajes que iban siendo creados a propósito de hitos históricos como la guerra con Chile, enfrentamientos, etc, Con el correr de los años, las características formales de muchas danzas andinas han experimentado variaciones, evidencias de ello son los materiales usados para la elaboración de las máscaras, los originarios son reemplazados por productos de costos más bajos y de rápida adquisición. Así mismo, sus diseños y motivos evolucionan en consonancia con las nuevas modas y a exigencias de los consumidores." (6)

Centro Universitario de Folklore UNMSM: "Diablada de Puno". Puno 2011. 

Palabras de agradecimiento al personal del Museo de Arte de San Marcos, por el apoyo prestado para la realización de este reportaje fotográfico.

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Fotografías: son propiedad de Gino L. Ataucusi Arenas

1, 2, 3, 4, 5, 6). Catalogo de exposición.

*).- Fuentes biográficas:

Joaquín López Antay
Delia María Poma Osores

Jesús Urbano Rojas
Hilario Mendivil Velasco

Enlaces complementarios:
Herencias y tradiciones. (1/3)
Herencias y tradiciones. (2/3)

Nota: Las obras fotográficas presentes en la exposición, son propiedad de sus respectivos autores.